Hace un par de meses llegó a mis oídos Saturnalia de Kim Logan & The Silhouettes. Una de esas canciones que aparecen de la nada y te hacen pensar; ¿ Cómo no había escuchado esto antes? El tema combina raíces de rock-blues con un destello de gospel y electrónica envuelto en misticismo y oscuridad
Para dar forma a este nuevo camino sonoro, la banda se unió al productor y guitarrista Rex Roulette (Bob Vylan, Eagles of Death Metal, KALEO, Dead Sara) y Adeleye Omotayo (Amy Winehouse, Gorillaz). El álbum, escrito durante pandemia, nació con la intención de expandir el conocimiento esotérico y eliminar el miedo hacía a el. Un concepto arriesgado pero coherente, que cobra sentido a medida que se descubren las múltiples capas sonoras de sus canciones.
Kim Logan & the Silhouettes una vista al pasado
En 2018, Kim se asocia en París con Martin Zissel y poco a poco comienzan a reclutar músicos que se convierte en este roadtrip interminable que ayudó a moldear y crear la estética de la banda.
Kim Logan & The Silhouettes
Su primer disco bajo el nombre Kim Logan & The Silhouettes en 2013, con raíces firmes en el blues acompañadas del folk y el rock sureño. Para 2017, Fresh Juice exploró un lado más emocional y con una producción más cuidada, abriéndose hacia country, el soul y una pizca de blues. En 2020 Shadow Work se consolidó como su obra más sólida hasta entonces: un álbum grabado entre Reino Unido y Francia, y finalmente mezclado y masterizado en Nashvill, con influencias del rock psicodélico y alternativo, atmósferas densas y momentos de intensidad como de intimidad.
Durante los años siguientes aparecieron alguno sencillos como Evil y Half Life, que mantuvieron esa búsqueda de contrastes, pero sumando un giro hacia lo industrial y el post punk como estética.
¿Por qué escucharlos?
La evolución musical de Kim Logan & The Silhouettes es constante. Cada lanzamiento revela nuevas exploraciones sonoras que amplían su mensaje sin perder el sello de sobriedad y misticismo que los distingue, Aunque las raíces de blues siguen presentes, se atreven a adentrarse en terrenos como el gótico e incluso el trip-hop
Seguir su trayectoria es fascinante: cada disco no solo muestra un sonido más sólido, sino también la complicidad y fuerza colectiva que han construido como banda. Kim Logan & The Silhouettes no solo son un proyecto musical, sino una ceremonia en la que cada etapa abre una nueva puerta hacia lo desconocido.
Como coleccionista de vinilos, me interesa la música más allá del sonido: su historia, su contexto y su influencia. Utilizo la fotografía y la lectura para profundizar en su evolución.
Por más de 14 años, Green Carnation permaneció en silencio. Fue en 2020, con Leaves Of Yesterday, cuando rompieron esta pausa y nos regalaron un álbum triunfal.
Hoy, 5 de septiembre, cinco años después, deleitan nuestros oídos con Dark Poem, Part I: The Shores of Melancholia, la primera parte de una trilogía que lleva varios años gestándose y que por fin verá la luz.
El inicio de un viaje
Dark Poem, Part I: The Shores of Melancholia es un álbum que nos regresa a la raíces de Green Carnation, con esos toques progresivos característicos, pero que también revela nuevas composiciones en un estilo más tranquilo, casi angelical, donde poco a poco se despliegan ensambles musicales épicos. Esta es una de las virtudes que mas disfruto de la banda; su capacidad de crear matices elevados a un estado casi divino.
Me My Enemy es una muestra clara de esta nueva evolución musical. Su inicio es pausado y, poco a poco, construye una solida composición que coquetea con el jazz: los bajos y la batería se entrelazan en suaves melodías, mientras que la voz asume un papel poético. Combinados, nos entregan un viaje sin igual. The Shores of Melancholia nos permite disfrutar de una sección de teclado que complementa este nuevo estilo y se fusiona perfectamente con las voces.
Por otro lado, The Slave That You Are, nos transporta de nuevo a los inicios de la banda. Aquí se hacen presentes riffs mucho más pesados, guturales cortesía de Grutle Kjellson (Ensalved) y una batería imparable. Una canción más cercana al black metal que sin duda complacerá a los seguidores más antiguos.
Too Close to the Flame es el cierre perfecto: una composición de casi 10 minutos en la que reaparece el viejo Green Carnation. Su lado más progresivo brilla al darle espacio a cada instrumento para destacar, creando pasajes memorables que reafirman por qué la considero una de mis bandas favoritas.
Un sonido lleno de emociones
Uno de los grandes retos para Green Carnation es conectar con los nuevos oyentes. Quienes los seguimos desde sus inicios, específicamente con Light of Day, Day of Darkness, entendemos a la banda desde un lugar de dolor y pérdida (esta obra se inspiró en la historia personal de Tchort, marcada por el nacimiento de su hija y la dolorosa pérdida de su hijo) De ahí surge una conexión especial con los seguidores más antiguos, una conexión que, después de casi 26 años, sigue intacta
Dark Poem, Part I: The Shores of Melancholia mantiene esa misma pasión y vínculo que nos ha hecho disfrutar de su música durante décadas. Sin embargo, la pregunta que queda en el aire es hasta qué punto los nuevos oyentes llegarán a comprender la esencia de Green Carnation en estos tiempos. No por la calidad de la música—que sigue siendo indiscutible—, sino por la forma en que hoy se consume y descubre nueva música.
Escrito por Fercho Valdivia.
Como coleccionista de vinilos, me interesa la música más allá del sonido: su historia, su contexto y su influencia. Utilizo la fotografía y la lectura para profundizar en su evolución.
Una de las cosas que más disfruto de los músicos de Black Metal es habilidad de explorar e incorporar sus distintas influencias musicales a sus lanzamientos. Braiding the Stories es un álbum que sorprende en su totalidad y que, sin duda, es el resultado de una enriquecedora fusión de géneros. A mi parecer, refleja la experiencia acumulada de los diversos proyectos en los que Gaahl ha participado, pero también marca la creación de un molde musical propio sin precedentes. Sí, hay notas de black metal y goth, pero no en su forma pura.
A lo largo de este viaje sonoro, diversas voces nos acompañan. Cada una acentúa momentos claves, construyendo una atmósfera única que define Gaahls WYRD. En temas como The Dream y Braiding The Stories, son canciones calmadas e hipnóticas, construyendo un espacio «celestial». Mientras que en Time and Timeless Timeline o Visions and Time se acercan más al black metal, aunque siempre con transiciones que desembocan en pasajes sutiles y melódicos.
Otro elemento destacado son los increíbles solos de guitarra de Ole Walaunet. A veces toman protagonismo y estallan con furia, acompañados por una base rítmica contundente; en otras, se integran de forma delicada, ofreciendo melodías complejas y elegantes.
Braiding the Stories es uno de esos discos que se disfrutan más con cada escucha. Su fluidez musical permite descubrir nuevos matices cada vez, y es de esos álbumes que realmente deben escucharse de principio a fin.
Un poco de historia
Gaahl es una de las figuras más emblemáticas y controversiales del Black Metal Noruego. Su presencia impone: es una figura de autoridad, devoción y talento, además un defensor radical de sus creencias y del género mismo. Su historia ha estado marcada tanto por su música como por episodios polémicos que lo han puesto en el centro del debate cultural.
En 2004, en una presentación en Polonia, se creó un escenario que incluía cabezas de ovejas clavadas en estacas, símbolos satánicos y modelos desnudas bañadas en sangre. La policía polaca intervino y comenzó una investigación por ofensas religiosas. Ese mismo año fue sentenciado a prisión por agresión y tortura contra un periodista.
Estos actos, aunque extremos, consolidaron a Gaahl como una figura que trasciendo en el ámbito musical, convirtiéndose en un ícono del black metal.
Musicalmente ha estado frente a proyectos como Gorgorth, God Seed, Trelldom y Wardruna, abarcando desde el black metal más extremo hasta cánticos inspirados en la tradición vikinga.
Braiding the Stories representa la madurez de Gaahl como artista. Es la suma de la exploraciones musicales, su historia personal y su capacidad de reinventarse. Un álbum que no solo destaca por su sonido, sino por la experiencia que ofrece: introspectiva, desafiante y profundamente atmosférica.
Las tiendas de vinilo han sido, durante décadas, más que simples puntos de venta: son espacios de descubrimiento, conversación y conexión con la música. Sin embargo, en una época donde todo está a un clic, cabe preguntarse si estas tiendas siguen cumpliendo su misión esencial: ayudarte a encontrar algo que no sabías que necesitabas.
Este texto es una reflexión personal — y colectiva — sobre lo que realmente buscamos al cruzar la puerta de una tienda de vinilos. Una recomendación, una plática sobre bandas olvidadas, y sobre todo, ese momento mágico en el que te ponen a sonar algo que termina siendo tu nuevo disco favorito.
El ritual de descubrir música
Una de las cosas que más disfruto al visitar tiendas de vinilos es descubrir música. Es estimulante ver cientos de portadas diferentes e imaginar las notas y composiciones que se esconden detrás de esos diseños.
Me gusta que, al entrar, me pregunten si busco algo en especial. Eso abre la comunicación y la posibilidad de decir: «Oye y sobre este estilo de música (según el artista que pidas), ¿qué otra banda me recomiendas?» Es justo aquí cuando nace la magia de las tiendas de vinilos y aprovecharse del conocimiento de esos curadores musicales.
Guías musicales
Más de una vez he preguntado por una banda o un título en específico y la respuesta ha sido simplemente “no lo tenemos.” Yo esperaría algo más: «No lo tenemos, pero si te gusta esa banda, tal vez te gustaría esta otra»
Ir a una tienda de vinilos debería ser un coqueto musical: descubrir qué puede gustarle al cliente y dejarse seducir por las recomendaciones del vendedor.
Quienes llevan tiempo en el coleccionismo tal vez recuerden a Luigi Buffa +, en la Ciudad de México. Ir a su tienda era garantía de salir con algo bajo el brazo. Una vez pregunté por un disco de Ulver y me dijo: «No lo tengo, pero creo que este podría gustarte.» Me dio un álbum de Jim Jones & The Righteous Mindy me invitó a escucharlo en su sala de audio — un cuarto diseñado especialmente para disfrutar de los vinilos con un equipo espectacular. El disco me encantó, lo compré.
En otra ocasión, durante una visita a99 Records, mientras hacía digging encontré un vinilo de Sunn O))). Aunque siempre tuve la opción de comprarlo en línea, era una de esas joyas que quería descubrir en una tienda. Mientras pagaba, sonaba el homónimo de Violent Femmes en la tornamesa. Capturó toda mi atención. Le pregunté a Roger por la banda y me contó cada detalle: su sonido, anécdotas e impacto en la música. Sin dudarlo, me lo llevé a casa.
Antes de regresar a Ciudad de México, visité mis tiendas favoritas en Guadalajara. Velvet Records fue la última la parada. Buscaba el último lanzamiento de Chat Pile, Cool World. Mientras hablaba de música con Enrique, me mostró una colección de vinilos de metal a la venta. De alguna forma, terminamos platicando sobre Entropy Death de Fabriccio de la Mora y Tormentas Malsanas deLas Nubes. Ambos los tenía en vinilo y los puso en la tornamesa. Por cuestiones de presupuesto (una mudanza en puerta), no me los lleve, pero espero pronto regresar por ellos.
¿A que vamos a una tienda de vinilos?
Eso es lo que espero de una tienda de vinilos, que me haga escuchar algo nuevo. Creo que su verdadero objetivo es observar y escuchar a quienes entramos, para ofrecernos música que pueda gustarnos. A pesar de esta afirmación, surgen preguntas cómo: ¿Y si solo quiero ir a comprar lo que conozco? ¿Y si no me gusta que me hablen mientras busco vinilos? Entonces, ¿cuál es el propósito de ir a una tienda?
¿Solo percepción o tendencia?
Con esa duda, lancé una pregunta en un grupo de WhatsApp con amigos coleccionistas: «En sus últimas visitas a tiendas de vinilos, ¿en cuantas de ellas han descubierto música nueva, ya sea por una portada que les llamo la atención o el «vendedor» les recomendó algo?»
La respuestas fueron estás:
Yo hace como 5 meses que no , lo que hago y siempre hacia es descubrir música nueva en Tea Recs, ahí he encontrado música nueva. Pero, si hace mucho que no descubro música nueva.
Juan Manuel (Tornamesa)
Yo tengo la costumbre en ciudades nuevas preguntar directamente en la tienda por algún disco que crean que no encontraré fuera de su tienda.
Julio Pulido
8 han sido recomendaciones directas por los vendedores en este año. Todo lo demás que he comprado es yéndome a la segura.
Miguel (MM_MUSIC_25)
Prácticamente cada vez que voy. En especial los Diegos (tanto de Tea Recs como de Perfecto Miserable) son grandes conocedores y si les pides recomendaciones, tienen algo que ofrecer.
Bernardo Arteaga
La mayoría del grupo vive entre Guadalajara y Ciudad de México. Aunque las respuestas tienden a reflejar más en Guadalajara, las opiniones están divididas. Aún si, me interesaba saber si era solo mi percepción o una tendencia más general.
¿Dónde quedó la experiencia?
La razón de este texto es que, en mis últimas visitas he notado una creciente falta de atención hacia los clientes. Puedes pasar un buen rato haciendo digging sin que nadie se acerque a preguntarte si necesitas algo. En una de estas visitas, afuera de la tienda había un grupo de personas comiendo y bebiendo. Después de un rato, alguien entró y me preguntó si necesitaba algo. Me lleve un vinilo que llevaba mucho tiempo buscando, me cobraron, me ofrecieron una bolsa… y volvieron a salir. ¿ Y luego?
Volvamos al punto inicial: ¿cuál es la razón de tener una tienda si no hay interés en vender música? Porque eso es. Tú me vendes, yo descubro. Y de ahí nace todo lo demás: comunidad, conciertos, listening parties o lo que quieras. Puedes agregarle todas las experiencias del mundo a una tienda de vinilos, pero no se debe olvidar los más esencial: ofrecer la posibilidad de descubrir música nueva.
¿Ustedes que opinan?, ¿Qué esperan de una tienda de vinilos?
Escrito por Fercho Valdivia.
Como coleccionista de vinilos, me interesa la música más allá del sonido: su historia, su contexto y su influencia. Utilizo la fotografía y la lectura para profundizar en su evolución.
Coleccionar vinilos es una de las cosas que más disfruto. Más allá del valor musical, me encanta tener algo tangible que me permita apreciar una portada, descubrir inserts con información y conectar con otros coleccionistas que comparten la misma pasión.
The Budos Band llegó a mis oídos durante mi tiempo en Guadalajara. Fue mi amigo Juan Manuel, aka Tengounatornamesa, quien me compartió esta joya. En menos de un mes ya había comprado dos vinilos. Puede parecer poco, pero suelo alternar entre distintas bandas cada mes.
¿Cómo suenan?
Tratar de explicar el sonido de The Budos Bands, es tan complicado como intentar describir el caos cósmico que creó cada partícula responsable del nacimiento del planeta y la evolución de la conciencia humana ( mucha o poca)
Así de caótico, misterioso y espontáneo es su estilo. Si tuviera que ponerle un nombre, lo describiría como una dosis de Afro-Soul que se fusiona con toques de psicodelia y una pizca de rock.
La evolución musical
The Budos Band (2005)
El inicio de todo. Un sonido lleno de Afro-Soul en su estado más puro. Los ritmos y grooves son hipnóticos que nos llevan a un estado de goce musical sin precedentes
The Budos Band II (2007)
La magia continúa, pero esta vez se agrega un tono más visceral, denso y oscuro. Un misticismo abraza el Afro- Soul creando una tensión en su composición.
The Budos Band III (2010)
La psicodelia toma su lugar y abraza las raíces de The Budos Band, la energía se siente ácida, mientras que el rock y el funk los lleva a territorios inexplorados.
Burnt Offering (2014)
La experimentación no se detiene, y esta vez se incorpora rock setentero y un fuzz mucho más oscuro. Un álbum que explota una energía primitiva.
V (2019)
Burn Offering abrió las puertas a un rock y soul más psicodélico. Un soundtrack digno de una película de terror. Una alquimia de sonidos sin igual.
Long in the Tooth (2020)
Los años no pasan en vano, y su sonido es un añejo de brutales grooves, metales afilados y una producción clásica. Haciendo que este disco nos lleve de vuelta a los sonidos de los 70s. Una cápsula del tiempo sin igual.
5 años después de su último lanzamiento, regresan con su álbum “VII” dando continuidad a la saga y deleitando nuestros oídos con Overlander, un track más rocker que me recuerda a Black Sabbath, pero con ese toque Afro- Soul y el impresionante combo de trompetas nos hipnotizan en un trance sonoro.
¿Por dónde empezar?
Eso es The Budos Banda. No quiero hablar más su sonido porque es una banda que se vive. Cada vuelta al vinilo revela nuevas capas, más detalles, más atmósfera… más razón para perderse en sus notas.
¿Con cuál empezar? Puedes juzgar por la portada –créeme,vale la pena – o simplemente seguir la evolución cronológica. Lo importante es escucharlos, sentirlos, dejar que el caos cósmico haga lo suyo.
Escrito por Fercho Valdivia.
Como coleccionista de vinilos, me interesa la música más allá del sonido: su historia, su contexto y su influencia. Utilizo la fotografía y la lectura para profundizar en su evolución.
Siempre es un placer descubrir música y darse cuenta de que, aunque el mundo musical parece inmenso, a veces puede ser sorprendentemente pequeño
Tar Pond fue fundado por Marky Edelman (Coroner), Thomas Ott y, por supuesto la leyenda Martin Ain (Celtic Frost).
Protocol Of Constant Sadness fue grabado y producido íntegramente por Tommy Vetterli (Coroner, Kreator), pero la repentina muerte de Martin Ain en 2017 pausó su lanzamiento hasta 2020. Su sonido explora la raíces más puras del doom: voces impregnadas de melancolía flotan sobre riffs que se expenden lentamente, evocando el drone, mientras la batería añada un toque de suspenso. El resultado es una atmósfera densa y llena de matices.
Tras el éxito de Protocol Of Constant Sadness, los miembros restantes decidieron continuar con Tar Pond . Así fue como en 2023 vio la luz Petrol.
Este lanzamiento conserva la esencia del doom, pero con una producción más púlida y un sonido más refinado. Los riffs siguen siendo hipnóticos, pero en esta ocasión tienen un carácter más pegajoso y memorable.
El doom es un género con pocas bandas que han alcanzado un estatus “global” dentro del metal. Entre ellas destacan nombres como Paradise Lost, My Dying Bride, Anathema y Cathedral.
A pesar de contar con músicos icónicos y rendir homenaje al género, Tar Pond es un proyecto que probablemente solo llegue a los oídos de quienes buscan esas joyas ocultas del doom, aquellos que disfrutan de explorar los proyectos alternos de sus músicos favoritos.
Tar Pond es una prueba de que la música, más allá del reconocimiento masivo, sigue siendo un refugio para quienes buscan emociones profundas y sonidos auténticos. En un mundo donde lo efímero domina, proyectos como este nos recuerdan que la pasión y la esencia de un género pueden mantenerse vivas en la oscuridad, esperando a ser descubiertas por aquellos dispuestos a escuchar.
Escrito por Fercho Valdivia.
Como coleccionista de vinilos, me interesa la música más allá del sonido: su historia, su contexto y su influencia. Utilizo la fotografía y la lectura para profundizar en su evolución.
Uno de los primeros box set que vi en mi vida fue Watain – The Vinyl Resissue, una imponente caja de madera con un acabado espectacular en piel. Su presentación es impactante como la música que contiene, un verdadero tributo a la magia de Watain.
Para mí, descubrir música en ese formato fue una revelación. No se trataba solo de escuchar un disco, sino de experimentar una obra con una estética y un ritual que elevaban la experiencia a otro nivel.
Así que, sin más preámbulos, estos son algunos de mis favoritos:
Watain – Wild Hunt
Wild Hunt fue el primer box set que compré y, la primera gran inversión en vinilos. Nunca había gastado tanto en un vinilo, pero cada centavo valió la pena.
Musicalmente, Wild Hunt mostró una faceta más épica y triunfante de Watain, alejándose de cierto modo del Black Metal más tradicional. They Rode On es prueba de ello, un estilo más a una balada que narra un épico viaje. Por otro lado, tenemos canciones como Outlaw y All That May Bleed que mantienen la brutalidad. Es su momento, el cambio musical generó dudad entre los seguidores más puristas ¿estaba Watain acercándose demasiado al mainstream?
Watain, hoy en día, es una de la bandas más populares del Black Metal. su evolución se ha ido a una dirección cada vez más cruda e impetuosa, disipando cualquier acercamiento a lo comercial.
Pero si algo hace que este box set sea inolvidable, incluso 12 años de su lanzamiento, es su contenido. Esto es lo que encontramos en su interior
El contenido de este box set sigue siendo insuperable, incluso 12 años después de su lanzamiento. Esto es lo que podemos encontrar:
-Gatefold 2LP en color rojo
-CD con booklet
-7 pulgadas When Stars no More Shine single
-7 pulgadas XI single
-Mantel para altar
-Póster
-5 postales
-Pin de metal
-1 poster
-1 tarjeta autografiada
¿A quién demonios se le ocurrió un mantel para un altar?
Rotting Christ – Rituals
Un álbum que evoca los espíritus más antiguos, dónde cada canción se desata una atmósfera llena cargada de ritualismo, demonios y visiones apocalípticas. Desde el primer instante, Nomine Dei Nostri irrumpe con rapidez y brutalidad, mientras que The Four Horsemen adopta un enfoque más místico y denso, permitiendo que los impresionantes vocales de Sakis Tolis se desplieguen con total majestuosidad.
A lo largo de su carrera, Rotting Christ ha construido un repertorio imponente con himnos como Non Serviam, Societas Satanas, Χ ξ ς’consolidando su legado. Sin embargo, Rituals es un álbum impecable, un non-skip record que se erige como un pilar de su carrera.
En esta ocasión, no se trata de una edición especial ni versión de lujo: simplemente es un gatefold co doble vinilo negro. Pero lo que destaca, es su portada, una de las más icónicas que la banda ha lanzado, capturando a la perfección la esencia oscura y ceremonial del disco.
Behemoth – The Satanist
El álbum que catapultó a Behemoth al ojo del mundo y que, para los muchos, se ha convertido en el estandarte del Black Metal contemporáneo, The Satanist no solo representa una evolución musical para la banda, sino también una declaración de principios; un manifiesto de blasfemia, desafío y un postura inquebrantable contra la religión. Su atmósfera es majestuosa y opresiva, construyendo un espacio sonoro épico que rinde tributo a los entes «prohibidos» que liberan el espíritu humano.
Cada tema del disco es un himno en sí mismo. Desde la apocalíptica Blow Ypur Trumpets Gabriel hasta la imponente Messe Noire, pasando por la pieza homónima The Satanist. Pero si hay una canción que resuena con fuerza, es O Father, O Satan O Sun!, un cierre épico del álbum.
Este vinilo tiene un valor especial para mí. No solo está firmada por Nergal, sino que además tuve la oportunidad de conversar con él. Lo admiró no solo por su trayectoria musical, sino también por una experiencia personal que el relató en su libro. Al leer cómo superó aquel episodio, encontré un reflejo de mi propia historia, y su resiliencia se convirtió en una fuente de inspiración.
Deus Mortem – The Fiery Blood
Llega un punto en la vida en que algunos de nuestros géneros favoritos comienzan a quedarse cortos. Nos ofrecen más de los mismo, sin la chispa que una vez nos atrapó. Fue justo en ese momento cuando este disco llegó a mi oídos, con un Black Metal con una sinfonía de riffs afilados, una batería despadiada y ritmos que hicieran al mismo diablo hacer headbanging
Lord of All Graves es la prueba definitiva de ese poder. A lo largo de su desarrollo, la canción va revelando sus múltiples capas, riffs precisos, percusión implacable y vocales que encuentran su propi espacio para brillar sin opacarse entre sí. También encontramos un breve espacio de coros, que por momentos rompen el caos con un eco ensordecedor.
La portada es una obra de arte en sí misma, con un nivel de detalle soberbio y una calidad fuera de serie. El vinilo, en un clásico color negro, viene acompañado de un póster doble, insert con letras de las canciones y créditos del lanzamiento.
Ediciones como esta dejan en claro que cuando un gran artista visual se une con una banda con una visión clara, el resultado es una pieza de colección verdaderamente única.
Triumph of Death – Resurrection of the Flesh
El último box set que se agregó a la colección. Un lanzamiento que celebra la creación de Hellhammer y su influencia en el Black Metal. un legado que Tom G. Warrior decidió no revivir, evitar mirar al pasado y celebrar el hoy. Es así como nace este en vivo, grabando en tres ciudades y que nos hace vibrar en con un sonido y calidad.
La influencia de Tom G. Warrior con Hellhammer y Celtic Frost no tiene precedentes. Para este punto, el Black Metal comenzó a surgir poco a poco fuera de las regiones nórdicas. Empezando a inspirar a nuevas bandas y empezando a colocar al género y a Tom G. Warrior en el mapa mundial.
La edición es más un libro con su correspondiente espacio para sus libros. Las fotografías y posters incluidos son de las más alta calidad, mostrando de forma clara lo que es Triumph of Death en vivo y dejando claro su legado y el impacto en el Black Metal Mundial.
Sin duda, muchos vinilos quedaron fuera de este top, la selección no fue fácil. Sin embargo, estos han marcado un antes y después en mi percepción del Black Metal y del coleccionismo de vinilos.
Hoy en día, hay innumerables ediciones y variaciones de color para representar el arte de la música, pero solo unos pocos logran trascender más allá de lo estético y que realmente valen la pena atesorar.
Escrito por Fercho Valdivia.
Como coleccionista de vinilos, me interesa la música más allá del sonido: su historia, su contexto y su influencia. Utilizo la fotografía y la lectura para profundizar en su evolución.
Hace un par de meses leí The History of Heavy Metal de Andrew O’ Neill y lo interesante de esa lectura es que desde las primeras páginas comienza un viaje en el tiempo para todos aquellos que decidimos tomar el camino del Heavy Metal.
La búsqueda de algo “más fuerte” son los primeros pasos. En ese momento es cuando se comienza a explorar los distintas raíces del metal, que con el tiempo, fueron evolucionando e incluso que su “clasificación actual” no es la misma de hace uno años.
Solo para poner un ejemplo, Led Zeppelin pudo ser llamado Heavy Metal en su época de apogeo, porque no existía otro sonido con esos decibeles , hoy es simplemente rock.
A lo largo del libro encontrarán este tipo de análisis y cómo estos géneros fueron influenciando a otros hasta llegar a los tiempos actuales. Esto es acompañado de un humor que algunas veces es un tanto británico, pero que al mismo tiempo hace referencias de ocurrencias de la vida metalera; como el encontrarte a alguien usando la playera de la misma banda que tu traes y por supuesto empezar a emitir un juicio si es “true” o solo un “poser”.
Para ser muy honestos también encontrarán mucha melancolía, ya que si escogieron el camino del Heavy Metal, esta historia les hará recordar y leer acerca aquellos discos que evolucionaron el metal y que en su momento fueron una revelación, y que hoy, siguen enchinando nuestra piel. In the Sign of Evil (Sodom), A Blaze in the Northern Sky (Darkthrone), Overkill (Motörhead), Kill’ em All (Metallica), Show No Mercy (Slayer), Black Metal (Venom), Scream Bloody Gore (Death) por mencionar algunos.
A History of Heavy Metal es un libro que disfrutarán de inicio a fin y si no eres metalero, quizá este libro te ayude a entender un poco la pasión y amor de los Headbangers.
Escrito por Fercho Valdivia.
Soy coleccionista de vinilos y lector apasionado de temas relacionados a la música.
Existió una época dorada en que las estrellas de rock dominaban los reflectores y se robaban la primera plana de los más prestigiosos medios de comunicación. Hoy algunas de esas figuras aún mantienen su cruzada por el mundo deleitando a la viaje guardería y nuevas generaciones con el poderoso y frenético rock.
Uno jamás imaginaría que un niño británico problemático y sin un camino fijo cambiaría el mundo de la música junto a sus amigos y no es porque yo lo diga, el mismo Ozzy a lo largo de su libro repite en varias ocasiones lo sorprendido de sus propios logros y reconocimientos acumulados a lo largo de los años.
Leer la vida de Ozzy es sinónimo de locura, intensidad y excesos. Y como cualquier autobiografía sus primeras páginas nos llevan a su infancia, La vida que llevaban, las carencias y la relación que tenía con cada uno de sus familiares. Por supuesto se incluye también sus primeros pasos en las drogas y el alcohol, así como sus trabajos en las fábricas inglesas y los problemas con la autoridad.
Sin duda conocer el pasado de algunos de nuestros héroes nos hace entender y ver su lado más humano, sus problemas, inseguridades y miedos. Quizá la parte de menos interés para los medios cuando eres una figura pública.
La creación de Black Sabbath es la intensidad y ganas de vivir el rock and roll, la búsqueda de alcohol y mujeres uno de los motores para dedicarse a la música y quizá solo un breve destello de grandeza cruzó por sus cabezas sin imaginar que lo lograrían.
Llegado el éxito es interesante conocer la dinámica de Ozzy con el resto de los integrantes, su proceso creativo y la construcción de las canciones. Y ver la creación de cada uno de sus éxitos. Después como toda gran historia los problemas comienzan a ser constantes, desde las diferentes perspectivas en la dirección de la banda y por supuesto los excesos en el alcohol y las drogas.
Ozzy se encuentra en un sube y baja con su adicciones, que no solo afectan su relación con la banda, sino que su familia se veía dividida. A lo largo de libro su recaída con los drogas es mencionada en repetidas ocasiones.
Después de Black Sabbath, comienza la construcción de su carrera como solista y la acumulación de sus logros, que al parecer es completamente ingenuo de lo que construyó y el impacto en el futuro de las generaciones musicales.
Ante el inevitable paso del tiempo, Ozzy parece ser un cosa del pasado para los festivales de música, así que decide crear Ozzfest. Cada paso sigue siendo un cimiento para la industria.
Dentro del libro encontrarán muchas historias y detalles de la vida de Ozzy que parecen sacados de un mundo de fantasía y que el espacio de esta entrada es extremadamente pequeño para contarlas.
Cuando estaba pensando en las líneas que abrirían este texto, me puse a reflexionar un poco acerca de la vida de Ozzy Osbourne y la da muchos otros rockeros que hicieron del rock and roll un estandarte de vicios, diversión y peligro pero que poco a poco son parte de una historia que parece que tiene un momentáneo final. Pocas bandas han sido los elegidos para ser los sucesores de este linaje de caos y libertad, los nuevos géneros dominan a las nuevas generaciones y solo unos cuantos de ellos se ven seducidos por los épicos y extraordinarios solos de guitarra que el rock y su derivados son capaces de entregar. Estamos en una época de cambio en el que esperamos la llegada de las nuevas leyendas y mientras eso sucede, seguiremos recordando a nuestros héroes del rock que han quedado en la historia y los mantendremos vivos en la música que coleccionamos.
Disfruten de una gran lectura a través del tiempo con la leyenda Ozzy. Les comparto el enlace para adquirir el libro.
Es bastante claro que Shame busca nuevas formas para expresarse a través de un sonido familiar pero desafiando su historia.
Shame presenta su nuevo lanzamiento Food for Worms, el cual me sorprendió de una forma cálida al encontrar una mezcla en su sonido mucho mas dinámica y explosiva pero que al mismo tiempo explora espacios de total calma. Fingers of Steel, Alibis y Six-Pack entran en el club de las energéticas con explosivos momentos musicales y guitarras hipnóticas en especial la última mencionada que agrega pinceladas de psicodélico y hace cambios de ritmo de forma inesperada. Por otro lado tenemos Yankees y Adderall que en sus inicios son tranquilas y poco a poco construyen el camino que nos llevará de la mano a un explosivo final. Cuando una banda agrega “esa rolita” melancólica, suave y que te sumerge en una profunda tristeza es de aplaudirse, es un punto de madurez y no tan fácil de ejecutar, ya que puedes caer en cliché de las power ballad que se hunden en lo meloso y romántico, sí, hablamos de Orchid un track construido a la perfección de inicio a fin. Different Person sigue un poco la línea de calma y caos pero tiene un sección que me parece un tanto improvisación y toma un estilo de funk rock muy interesante.
En sus letras se expresa inconformidad, tristeza y las dificultades en la vida. There’s a sun outside but you don’t see it, en Fingers of Steel por ejemplo. Adderall nos lleva al camino de las drogas y el impacto en la vida. Quizá sea mi estado emocional actual pero Orchid es el momento en el hablas contigo para encontrarte de nuevo; You look the same, But your eyes have changed, They seem to shake, They seem to break…
Los vocales a los largo de la producción evolucionan en sus tonos y emociones, los coros impulsan el mensaje de cada una las letras, creando un remolino de sentimientos.
Food for Worms es un álbum poco digerible en sus inicios pero que disfrutarán mientras más los escuchen y sus oídos entren en este nuevo mundo de sonidos creado por Shame.
Escrito por Fercho Valdivia.
Soy coleccionista de vinilos y lector apasionado de temas relacionados a la música.
The Howll 