Autor: Fercho Valdivia.

Friendship Commanders:  canciones para culpar a las estrellas

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Midheaven es un álbum que salió en octubre del 2025. A pesar de que lo escuche inmediatamente, lo dejé en el congelador antes de escribir una reseña. Fue un lanzamiento que disfruté tanto que no quería distraerme con la tarea de escribir sobre él. A veces, cuando hacemos reseñas, olvidamos el lujo de simplemente disfrutar de la música sin el objetivo de crear contenido.

La esencia de Friendship Commanders se encuentra en el stoner, con esos tintes de sludge. las guitarras nos llevan por extensos pasajes sonoros que se desarrollan en cada canción con maestría. Las percusiones envuelven el ambiente y capturan nuestra atención con ritmos que inevitablemente nos llevan a marcar el compás con los pies. En medio de este caos, el bajo y la voz «endulzan» la atmósfera. Buick Audra nos hipnotiza con voces limpias, tranquilas y casi angelicales. Su estilo vocal me recuerda a los años noventa y a ese sonoridad que caracterizó a bandas como Bikini Kill.

Cada canción brilla por sí sola, pero algunas de mis favoritas son «X», un homenaje a Steve Albini y a los artistas que los inspiraron a lo largo de sus carreras. En palabras de Buick:

“I was grieving, but I was also watching a generation grieve in ways I’d observed my whole life— stoically, strongly, sentimentally, and somewhat individually. This song is a loving send-up to that lost generation. We wanted the track and visuals to honor some of the artists who raised us creatively, including Steve.»

Por otro lado, tenemos “Midheaven”, una canción que me cautivó por sus voces y esos coros que la hacen destacar. La pieza se toma su tiempo para construir un suspenso sonoro que nos lleva a un pasaje de batería deslumbrante, anunciando el inminente final y dejando ver la maestría de Jerry Roe.

Más allá de su construcción musical, “Midheaven” explora la idea de nacer bajo una determinada constelación y cuestiona hasta qué punto las estrellas pueden influir en quiénes somos. Buick reflexiona y comenta sobre esa sensación de ser un inadaptado toda la vida, con una naturaleza que parece imposible de cambiar, y se pregunta si nuestra identidad está escrita desde el principio. Quizá, como sugieren al final, hay días en los que resulta tentador culpar de todo al cielo.

Midheaven se disfruta de principio a fin. Es un álbum que encuentra el equilibrio entre el caos y la calma, donde cada textura y cada capa de sonido tiene algo que aportar. Las notas se entrelazan, se sienten y se absorben poco a poco, envolviéndonos en una experiencia sonora que invita a perderse en cada escucha.

Les dejo los enlaces para que disfruten de este gran disco.

Bandcamp

Youtube

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Escrito por Fercho Valdivia.

Como coleccionista de vinilos, me interesa la música más allá del sonido: su historia, su contexto y su influencia. Utilizo la fotografía y la lectura para profundizar en su evolución.

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Behemoth – I, Scvlptor: El pasado esculpe el presente

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Desde su obra maestra The Santanist, Behemoth demostró que había alcanzo la perfección. Después de ese lanzamiento, todo ha sido una exploración por distintos espectros musicales y, al mismo tiempo, un reflejo del inquieto Adam por demosstrar que cada aspecto de sus proyectos y de su vida puede realizarse con calidad, perfección y fanatismo.

I,Scvlptor es un álbum que considero un homenaje al black metal y a carrera de Behemoth desde la perspectiva de un Adam, que, a pesar de todo, no ha dejado de ser un fan. Cuando tiene la oportunidad de colaborar o conectar con algunas de sus influencias musicales, es notable el respeto y la admiración que tiene por aquellos artistas y por los álbumes que han marcado su carrera. Y esto resulta particularmente interesante cuando hablamos de alguien que, a estas alturas, ya es una figura histórica y uno de los grandes representantes del género.

Si analizamos este lanzamiento, podemos comenzar con las nuevas versiones de Rise of the Blackstorm of Evil (The Return of the Northern Moon, 1992) y Thy Pandemaeternum (Pandemonic Incantations, 1998). Ambas tienen un sonido más épico, con una producción en la que se agrega un toque de reverb que crea una atmósfera complentamente nueva. Además, los vocales de Nergal se encuentran en una etapa mucho más madura, controlada y perfeccionada. Satan, give me the power to rise!, se escucha como un cierre mucho más épico para este nueva versión de Rise of the Blackstorm of Evil.

Estos dos tracks pueden entenderse como fundamentos dentro de la carrera de Behemoth: un recuerdo y, al mismo tiempo, un punto de referencia de la historia y trayectoria que han construido.

Ahora, los siguientes canciones son homenajes a himnos que hicieron historia dentro del metal. Empezamos con clásico de In League with Satan, originalmente de la legendaria banda Venom, creadores de Black Metal, título que años después sería utilizado para nombrar al género.

Esta nueva versión tiene una sensación orquestal, con más coros y un ambiente ritualista. Es el ensamble perfecto entre los vocales death/black de Adam y los registros más rasposos y agudos, propios del True Norwegian black metal, de Shagrath (Dimmu Borgir). Esta colaboración es, sin duda, una de las mejores y quizá de las menos esperadas, pero también representa el balance perfecto entre dos grandes figuras del metal.

Otro de estos homenajes es The Return of Darkness and Evil de la legendaria banda sueca Bathory, una canción ejecutada en vivo y con la participación de Sakis Tolis (Rotting Christ). Escuchar estás canciones revitalizadas es un privilegio y demuestra que, a pesar de la grandeza alcanzada por ambas bandas, no olvidan sus orígenes ni las primeras canciones que las llevaron a convertirse en los músicos que son hoy.

Ambas canciones tienen un peso significativo en la historia del Black Metal. Han sido pilares del género: una por contribuir a darle nombre y la otra por la enorme influencia de Quorthon. Si nos ponemos a hablar de todo lo que representa su legado, esta reseña no sería suficiente. Esa es otra historia que dejaremos pendiente.

Este bloque de canciones nos permiten ver dos cosas: las influencias de Adam a lo largo de su vida y la manera en que, al mismo tiempo, disfruta y rinde tributo desde una postura de fan.

El resto de canciones; I Scvlptor, Lord ov the Horizons, Begotten tienen este mismo sonido marcado por el reverb que hace que la producción se perciba más ambiental y, en ciertos momentos metálica. En general, suenan con un ritmo tranquilo que poco a poco se desarrolla mediante riffs de guitarra extensos, conectado la calma con el caos.

Su sonido es más ritualista, con un estilo orquestal que consigue hacerlo pesado, pero sin saturarlo. Lord ov the Horizons representa justamente esa calma frente al caos. El intercambio entre guturales y las voces limpias lo hace místico, mientras que la energía termina explotando en un riff o en los desgarradores vocales de Nergal.

I Scvlptor, es la construcción de Adam de su propia carrera. A lo largo de los años, se ha encargado de esculpir su trayectoria musical y su vida a través de distintos proyectos. Al igual que una escultura, todo comienza como un pedazo amorfo de piedra que con el tiempo, se talla, se forma y se detalla hasta convertirse en una declaración capaz de sobrevivir al tiempo.

Y a pesar del desgaste que pueda sufrir una escultura, su legado y su presencia persisten, mientras las historias creadas a su alrededor sobreviven a los eones.

Eso es, para mí, lo que representa el nuevo lanzamiento de Behemoth.

Escrito por Fercho Valdivia.

Como coleccionista de vinilos, me interesa la música más allá del sonido: su historia, su contexto y su influencia. Utilizo la fotografía y la lectura para profundizar en su evolución.

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GREEN CARNATION – A Dark Poem, Part III: The Messiah Complex

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Fue en 2010, cuando descubrí que existía una banda que tenía una canción con una duración de una hora. Green Carnation era esa banda y Light of Day, Day of Darkness la canción. Esta producción se convirtió en un ritual, un momento y un estado de ánimo específico para escucharse.

Después de un periodo de 14 años de pausa, Green Carnation regresó y, en 2020 presentó Leaves of Yesteryear. Para 2025 anunciaron lo que sería la primera parte de una trilogía A Dark Poem Part I: The Shores of Melancholia, que continuaría en 2026 con Dark Poem, Part II: Sanguis y A Dark Poem. Part III: The Messiah Complex.

A Dark Poem. Part III: The Messiah Complex.

El cierre de esta trilogía es un viaje de cuatro canciones que exploran un ambiente más relajado, más épico y más consciente de sus habilidades musicales y de su capacidad de experimentación. Su sonido es limpio, perfectamente trabajado para permitir que cada instrumento respire entre sí. Las influencias mantienen los toques de progresivo, metal, acompañados de tintes de folk. Incluso en canciones como Unconditional Artificial Chemistrym se perciben notas de doom, Las voces elevan este ambiente glorioso y crean un equilibrio entre misterio, luz e incertidumbre.

A Dark Poem. Part III: The Messiah Complex es un álbum «complejo»: desde las influencias de Shakespeare y su personaje Ofelia, reinterpretado por Arthur Rimbaud, hasta su sonido y producción. Pero que gracias a la magnífica ejecución es un álbum completamente disfrutable.

A lo largo de este álbum, el ensamble musical nos permite ver la forma en que absorben sus influencias. Cada canción parece un universo distinto, al igual que cada una de las partes de la trilogía, pero, aún así, todos se suman a un solo universo.

El cierre de esta trilogía con The Messiah Complex suma una parte orquestral sublime. Los coros y la instrumentación crean un cierre de grandeza, de logros y satisfacción. Esta incorporación orquestral, viniendo de una banda de progresivo, es una clara declaración de autoridad.

Green Carnation, un enfoque personal

Si me dieran a elegir cinco discos para escuchar durante toda mi vida, Light of Day, Day of Darkness estaría en ese top. Es uno de los discos que más ha impactado por su sonido, su historia y su inspiración.

Durante esa época de silencio, este disco me acompañó innumerables veces mientras atravesaba mi lucha contra el cáncer. Mi cercanía constante entre la vida y la muerte me acercaba, de alguna forma a las emociones y sentimientos de que Light of Day, Day of Darkness transmitía a través de sus notas y su historia. De esa forma, mi conexión con Green Carnation se volvió única.

Cuando Leaves of Yesteryear vio la luz, para mí fue una señal de que mi vida y la carrera de Green Carnation estaban ligadas. Me intrigaba imaginar cómo sería su evolución musical, al igual que mi propio avance en la vida después de estos acontecimientos tan intensos.

La respuesta fue corta, honesta y brutal: su sonido no olvidaba sus raíces. Se escuchaba diferente, fresco y único. Se entendía que su pasado jamás sería olvidado, pero que ahora eran nuevo grupo, con esa misma pasión y entrega en su música, tal y como lo habían hecho con Light of Day, Day of Darkness.

Esta evolución siguió avanzando y, por si fuera poco, no se trató únicamente de un lanzamiento, sino de una trilogía que puso a prueba su habilidad, pasión y amor por la música. A Dark Poem, para mí, es una declaración de pasión y superación. En cada uno de estos discos se puede escuchar y sentir cómo ellos mismo se pusieron un reto y lograron superarlo.

Es así como ligué m vida con la carrera musical de Green Carnation. Nuestro pasado deja una marca enorme en nuestra vidas, pero la manera en que seguimos avanzando con es misma pasión, sin olvidar nuestro origen, es una muestra de dedicación y amor por la vida.

Green Carnation es la música que acompaña mis pensamientos más profundos sobre la vida y la muerte.

Gracias, Green Carnation, por hacer de la vida un viaje único, acompañado de su música.

Escrito por Fercho Valdivia.

Como coleccionista de vinilos, me interesa la música más allá del sonido: su historia, su contexto y su influencia. Utilizo la fotografía y la lectura para profundizar en su evolución.

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Cinco discos que mantienen vivo el espíritu del Black Metal.

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El Black Metal fue la razón por la que comencé a coleccionar discos. Mi primera obsesión fue la legendaria banda noruega Carpathian Forest.

Con el paso de los años, el Black Metal ha permanecido como uno de mis géneros favoritos, tanto para coleccionar como para escuchar. ¿La razón? La agresividad y la búsqueda de provocar algunos comportamientos de la sociedad actual. Además, el diseño y edición de algunos de sus lanzamientos siguen siendo superiores al estándar de la industria.

Mork – Monolitt

A lo largo de la carrera de Mork, este es el primer álbum que realmente he disfrutado de principio a fin. No me malinterpreten: me encanta su música, pero normalmente solo conectaba con un par de canciones de cada lanzamiento. Nunca sentí que sus álbumes anteriores tuvieran una estructura sólida en conjunto.

Muy pocos discos logran hacerme querer aprender noruego para gritar cada letra con todas mis fuerzas. Las voces son poderosas, dominantes y absolutamente épicas.

Mientras escribía esto me di cuenta de que Monolitt es un álbum muy fácil de escuchar. Es simple, directo y me recuerda al espíritu del Black Metal de los primeros años, y eso me encanta. Hoy en día muchas bandas intentan crear discos excesivamente complejos y llenos de experimentación (lo cual no es necesariamente malo), pero a veces terminan perdiendo la esencia en el camino. Algunas veces lo único que quiero es Black Metal honesto, crudo y sin pretensiones.

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Deus Mortem – The Fiery Blood

Antes que nada, este disco tiene una de las portadas más impresionantes que he visto en mucho tiempo. Es hermosa, poderosa y permite apreciar perfectamente cada trazo hecho a mano, algo que la vuelve todavía más especial. Es difícil explicarlo, pero puedes sentir la calidad de la funda y de cada uno de los elementos incluidos en esta edición. El póster por sí solo ya vale la pena. Una auténtica obra maestra.

Musicalmente, esto es Black Metal polaco en estado puro: crudo, implacable y sin concesiones. Va directo al punto.

«Lord of All Graves» es mi canción favorita del EP. Cinco minutos de caos absoluto, brutalidad, riffs épicos y una breve sección de coros que suena como un antiguo canto de guerra.

¿La única desventaja? Solo tiene cuatro canciones. En cuanto termina, inmediatamente quieres volver a escucharlo. Acuérdate de mis palabras.

Nota: Terratur Possessions hizo un trabajo excepcional con esta edición.

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Mortuary Drape – Wisdom-Vibration-Repent

Otro disco brutal, espiritual y épico.

Forjado en Italia, este álbum suena a pura brujería. Los riffs lentos y envolventes, las voces aplastantes y una batería imparable dominan todo el trabajo. Al mismo tiempo, canciones como «Nightmare Be Thy Name» incorporan explosiones de velocidad, percusiones más profundas y una fantástica ejecución del bajo.

Las voces son uno de mis aspectos favoritos del álbum. Su tono grave, casi cavernoso, hace que todo se sienta maldito. Algunos riffs incluso me recuerdan al Heavy Metal tradicional o al Power Metal. Es una combinación fascinante de influencias que nunca abandona sus raíces dentro del Black Metal.

Wisdom-Vibration-Repent es pura magia ritual: notas crudas cuidadosamente acomodadas para construir la atmósfera ocultista perfecta.

Peaceville Records hizo un trabajo impecable con esta edición.

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One Tail, One Head – One Tail, One Head

Hace algún tiempo hablé sobre esta recopilación en Midnight Whisper, y sigo pensando exactamente lo mismo. Esto es Black Metal noruego puro y sin concesiones.

Las voces son, sin duda, mi elemento favorito. Son profundas, pesadas y completamente únicas. Siempre he pensado que las voces son uno de los aspectos que definen al Black Metal. Pueden determinar si una banda logra atraparte por completo o si simplemente no conectas con ella.

Los riffs y la batería son igual de esenciales: rápidos, agresivos, pero nunca precipitados. Todo parece ejecutado con intención. Y no podemos olvidar el bajo: profundo, oscuro y casi asfixiante.

«The Splendour Of The Trident Tyger» es, en mi opinión, la canción perfecta de Black Metal. Equilibra velocidad con pasajes más lentos, creando transiciones naturales y tremendamente poderosas.

Este lanzamiento también fue publicado por Terratur Possessions.

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Funeral Mist – Deiform

Cuando Deiform fue publicado en 2021, no creo que recibiera la atención que realmente merecía. Muy pocas personas hablaron de él y, aún hoy, sigue siendo un disco criminalmente ignorado.

Este álbum es puro caos. Es violento, implacable y espiritualmente abrumador. Todo el disco se siente como un ritual, y eso es precisamente lo que más disfruto de el. Cada canción evoluciona hasta convertirse en algo mucho más grande, construyendo una atmósfera llena de misticismo y tensión. Mortuus entrega aquí otra interpretación absolutamente desquiciada, una de las mejores de toda su carrera dentro del Black Metal.

La producción también juega un papel fundamental. Al final de «In Here», la música se desvanece lentamente entre tambores de guerra y cánticos rituales. Poco a poco aparecen voces infantiles, limpias, inquietantes y extrañamente hermosas. Entonces todo explota con «Children of the Urn», un tema devastador impulsado por una velocidad demoledora y una intensidad impresionante.

Para mí, Deiform es, por mucho, la mejor obra de Funeral Mist.

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El Black Metal nunca ha tratado sobre la comodidad. Se trata de atmósfera, convicción y de crear algo que permanezca contigo mucho después de que la música termina.

Estos discos me recuerdan por qué me enamoré del género en primer lugar. No porque intenten reinventar el Black Metal, sino porque entienden perfectamente su esencia.

Escrito por Fercho Valdivia.

Como coleccionista de vinilos, me interesa la música más allá del sonido: su historia, su contexto y su influencia. Utilizo la fotografía y la lectura para profundizar en su evolución.

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Actum Est – Black Sun Ritual | Reseña Corta

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En Brasil no todo es samba, futbol y arena; también es sinónimo de metal. De sus tierras han surgido leyendas como Sarcófago y Sepultura, máximos exponentes del black y death metal, respectivamente. Así que, cando se escucha una banda proveniente de este país, uno está acostumbrado a encontrarse con una alta calidad musical

Black Sun Ritual de Actum Est es uno de sus álbumes que cautivan desde el primer minuto por su sonido épico. La banda construye una atmósfera ritualista que, poco a poco, incrementa la intensidad y nos lleva por distintos pasajes sonoros. Los guturales son extremos, pero mantienen una producción pulida que les permite destacar sin perder fuerza. Los teclado aportan un tono sombrío, que por momentos me recuerdan a Carach Angren.

A lo largo de siente cancione, Black Sun Ritua consigue construir una identidad gracias a su producción que equilibra la intensidad y la calma.

Black Sun Ritual es un álbum que consigue construir una identidad propia gracias a una producción que equilibra la agresividad con la atmósfera. No busca una velocidad, pero si una composición con diversos cambios y distintas capas instrumentales.

Es un álbum que disfruta de inicio a fin y que recomiendo escuchar a todo volumen.

Nearest Dusk demuestra que la intensidad también puede ser elegante

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Sin buscar tendencias, Nearest Dusk es un álbum que encuentra el balance entre lo atmosférico, el death metal y toques de progresivo, los cuales construyen ese ambiente denso, pero a su vez intrépido, que ayuda a forjar el concepto del disco.

Nearest Dusk es un lanzamiento de texturas sonoras; cada canción brilla por sí misma y nos deleita con un sonido consolidado, único, pero que a su vez nos recuerda a ese sonido de antaño de la época dorada del metal extremo. La diversidad compositiva permite que cada integrante encuentre su momento para destacar, aportando identidad propia a cada canción.

A Hill of Ashes nos deslumbra con impresionantes riffs, justo en el punto melódico y con cambios inesperados que dan ese exquisito sonido. Haifa da libertad a los vocales, totalmente desgarradores y con profundidad, un toque que nos recuerda al black melódico de los 90s. De igual forma, la segunda mitad, la batería se adueña por completo de los oídos: es intensa, galopante e imparable. Una verdadera cátedra de percusiones.

Todesmarsch (Kanada) es la canción que suma lo mejor; el ensamble es brutal y cada instrumento se complementa entre sí para escalar su potencia. El duelo entre guitarra y batería es insaciable, pero prestar atención al bajo resulta igual de gratificante, pues su presencia es simplemente arrasadora.

Nearest Dusk es un álbum de múltiples personalidades, pero que no te hace sentir separado del concepto del disco. Te abraza en cada momento y desarrolla pequeñas historias en cada canción, todas ellas parte de un mismo viaje.

Una de las primeras cosas que me hizo recordar Nearest Dusk fue la etapa más cruda de In The Woods, aquella mezcla entre death y black metal envuelta en un aura de misticismo.

Nearest Dusk es un álbum que encuentra el equilibrio entre agresividad y atmósfera. Su capacidad para combinar elementos del death y black metal melódico sin perder cohesión lo convierte en una obra que recompensa las escuchas repetidas. Ya sea por sus riffs memorables, sus cambios dinámicos o su impecable ejecución instrumental, es un trabajo que merece sonar a todo volumen.

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WARSIDE – Cognitive Extinction,

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Parece ser que 2026 nos ha deleitado con lanzamientos bastantes interesantes en el mundo del metal. Empezamos el año con Mayhem y Via Dolris, con ese sonido clásico del black metal que nos recuerdan a la época dorada del género, así como con el progresivo y un tanto experimental trabajo de Green Carnation, una de las bandas favoritas de su servidor.

Mientras el black explora esos toques más lúgubres, Warside y su álbum Cognitive Extinction presentan una bestialidad sonora que eriza la piel y despierta los instintos más primitivos. Su brutalidad, es una de sus mayores cualidades; además, es uno de los discos más brillantes que he escuchado este 2026.

Cognitive Extinction no solo buscan sonar fuerte y saturar el sonido. Aquí, cada instrumento está en su lugar y logra demostrar las habilidades musicales de cada integrante. La estructura de las canciones les permite jugar con extensos riffs y hacer que la batería suene imparable. Además, usan sampleos la cual ayuda a la narrativa del disco y le aportan una mayor complejidad sonora.

Un detalle acerca de esta producción, es que, para este lanzamiento, la banda cambió de vocalista y baterista. Si escuchan el álbum anterior, el sonido se siente plano y sin textura. Incluso, por momentos los riffs se pierden entre las voces. Esto también es un tema de la producción, pero Cognitive Extinction está mucho mejor ejecutado, tanto en su producción y en la habilidad musical de los integrantes.

Cognitive Extinction es, sin duda, uno de mis favorito del 2026. Les recomiendo disfrutarlo a máximo volumen.

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El arte olvidado de tener música

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Olvidamos lo que se siente realmente poseer la música más allá de una pantalla. Cuando se trata de música, una de las cosas que más disfruto —además de los discos— es comprar libros y revistas.

Sujeto —¿Todavía compras revistas?
Fercho —Sí, todavía compro revistas.
Sujeto —¿No es más fácil ver todo en internet?
Fercho —No. No lo es.

Esa conversación tan simple se quedó dando vueltas en mi cabeza… y fue ahí cuando entendí algo. Internet y las redes sociales nos entrenaron para consumir más rápido, sin profundizar. Al principio era increíble tener acceso inmediato a tanta información. No podías dejar de leer. Pero con el tiempo, algo cambió. Las redes sociales transformaron todo.

Ahora, todo son fragmentos: opiniones rápidas, ideas fugaces, contenido que aparece y desaparece en cuestión de segundos.

Y es justo ahí donde lo físico sigue teniendo valor para mí. Sigo comprando revistas y libros por varias razones:

  • Porque tengo algo real, tangible.
  • Porque no tengo que pagar cada vez que quiero volver a leerlo ni depender de una suscripción.
  • Porque puedo regresar a leerlo en 5, 10 o incluso 20 años.
  • Porque alguien pensó en el diseño, en la curaduría, en cada detalle impreso.
  • Porque es mío.

    Lo mismo pasa con los libros.

Hoy en día escribo reseñas constantemente, así que suelo verificar información. Me gusta tener una fuente confiable para confirmar datos o citas. Es mucho más fácil ir a mi librero, tomar una revista o un libro y consultarlo, en lugar de intentar recordar en qué página web o en que cuenta de Instagram lo vi.

Pero más allá de eso, hay algo más personal. El tiempo no perdona, y poco a poco empiezas a olvidar. Sin embargo, cuando tienes ese libro o esa revista, puedes volver a abrirlo y redescubrirlo. Casi como si lo vivieras por primera vez otra vez.

Con el internet y las redes sociales, probablemente nunca vuelvas a encontrarte con ese mismo artículo o publicación, incluso ni si quiera la recuerdes.

Por eso, a pesar de todo, sigo eligiendo comprar revistas y libros.

Me gusta tenerlos al alcance de mi mano.

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Boko Yout

Boko Yout y el arte de construir un disco en tiempos de singles

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La vida y la música van por el camino de la sorpresa y la incertidumbre, igual que el descubrimiento accidental de este disco. De forma muy casual, en un reel de Instagram apareció un fragmento de una canción; de inmediato me fui a los comentarios y uno llamó mi atención: » Sweden´s best export since meatballs».

Pero, siendo honestos, Suecia ha sido testigo de grandes talentos: The Hives, Opeth, In Flames, Dark Tranquily, At The Gates, Katatonia, Bathory, Viagra Boys y ABBA. En su mayoría predomina el metal —y, por supuesto, el Swedish Black Metal—, aunque también hay fenómenos globales como ABBA, una de las bandas más grandes en la historia de la música.

Ante tal afirmación, decidí escuchar el álbum debut de Boko Yout, y resultó ser una verdadera sorpresa.

Paul Adamah, nació en Suecia, hijo de padre togolés y madre mozambiqueña. Para él, crecer siendo una persona negra en un país como Suecia ha sido una experiencia compleja. Además, Dr. Gusto es un alter ego que utiliza como herramienta para enfrentar distintas batallas y este disco es muestra de ello.

Boko Yout no viene a descubrir el hilo negro, pero sí tiene algo que hoy falta en muchos géneros y artistas: personalidad y un concepto sólido que vive en cada canción. Estos elementos poco a poco se han ido perdiendo por la evolución de la industria y nuestra forma de consumir música. Un single ocasional no siempre permite construir un universo ni definir un estilo. Y es justo ahí donde Boko Yout acierta.

Desde las primeras escuchas se perciben notas de post-punk, rock y toques de funk. Algo que llamó especialmente mi atención es que su música ha sido catalogada como Afro- Grunge. Incluso en canciones como SHIFT deja ver la huella de sus raíces africanas, aportando un matiz excepcional a sus influencias y evidenciando su capacidad de composición.

Imagen utilizada únicamente con fines ilustrativos. Todos los créditos corresponden a su autor original.

Su sonido genera intensidad: es provocador, emocionante y su voz lo corona todo. Un tono que transmite inconformidad, historia y una constante búsqueda de cambio, así como la lucha por encontrar una identidad en una sociedad que dicta qué hacer. Canciones como Ignore y 9-2-5 nos llevan a una crítica del día a día en la oficina, al culto de la hiper-productividad y al desgaste de «trabajar de más» para alcanzar el éxito.

Gusto es un álbum lleno de texturas que se necesita explorar a profundidad, detenerse, leer sus letras y entender el origen de cada idea, historia y emoción.

Disfruté cada sonido del álbum, pero hay algo que destaca especialmente: el bajo. Es un verdadero agasajo por su rapidez, precisión y la energía que inyecta en cada canción.

El consumo rápido nos hizo olvidar cómo escuchar música. Pero a veces —como en ese reel — algo se atraviesa y te obliga a parar. Gusto es ese tipo de disco: uno que no se consume, se escucha. Sin prisas.

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Via Doloris: Gildas Le Pape (ex Satyricon) debuta con Guerre et Paix

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El Black Metal se encuentra en constante evolución. Desde su creación en los años 80, ha sufrido cambios en su sonido, temática e incluso su imagen. Aunque disfruto algunos de estos cambios, siempre queda esa nostalgia por aquel sonido que cambió al mundo: el famoso True Norwegian Black Metal, que impactó por su crudeza y caos.

Hoy día, no siempre es fácil encontrar esa inspiración en proyectos nuevos, pero llegó a mis oídos un álbum que recupera y refresca ese sonido: Guerre et Paix de Via Doloris. El proyecto fue creado por Gildas Le Pape en el cual tiene como invitado al legendario Frost. Este dúo logra materializar la visión de Gildas en una propuesta cruda, épica e impetuosa.

Una de sus principales características es el uso de riffs construidos en armonía; a diferencia de muchos proyectos que buscan sonar simplemente «fuertes», Via Doloris apuesta por crear pasajes épicos que incorporan momentos de calma e incluso coros con voces limpias que acompañan las melodías. Esto genera una atmósfera densa, oscura y casi celestial.

Frost aporta una batería impetuosa, ajustando los ritmos y complementando la atmósfera sin robar protagonismo; al contrario eleva la ejecución y amplifica la fuerza sonora. Además, existen momentos de pasajes instrumentales que muestran su virtuosismo.

En un género que ha mutado tanto, Guerre et Paix encuentra el punto exacto entre la memoria e innovación, logrando algo cada vez más raro: autenticidad.

Puedes adquirir el vinilo aquí

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